Первым изданием «Келмскотт Пресс» стал роман Уильяма Морриса «История сверкающей долины» (‘‘Story of the Glittering Plain''), увидевший свет в мае 1891 года. Книга была набрана нарисованным Моррисом шрифтом, основой которого послужила антиква венецианского типографа XV столетия Никола Жансона. «Предметом моих поисков, — рассказывал Моррис, — были литеры ясной формы, строгие и цельные, без ненужных украшений, без контраста между утолщенными и тонкими штрихами (главный недостаток современных шрифтов, из-за которого они оказываются трудночитаемыми) и, наконец, не слишком убористые».



Взятая за образец гарнитура Никола Жансона была сфотографирована, и сильно увеличенные отпечатки послужили образцом для дальнейшей работы над рисунками отдельных литер. Пуансоны гравировал Эдвард П.Принс, выказавший при этом как большое искусство, так и глубокое проникновение в суть замысла Морриса, превосходно воплотив его эскизы. Шрифт назвали «золотым». Изящные его формы восхищали специалистов, да и читался он превосходно.



«Не следует чрезмерно увеличивать интервал между строками, — требовал Моррис от своих наборщиков. — Весьма распространенный в наши дни способ набора на шпоны должен применяться как можно реже — лишь в случае крайней необходимости, например для выделения определенной части текста».



А вот что думал Моррис о конструкции наборной полосы: «Во всех случаях внутреннее поле страницы должно быть самым узким, верхнее — несколько шире, внешнее еще шире, а нижнее — самым широким. В средневековых книгах — как рукописных, так и печатных — никогда не допускалось отклонений от этого правила. Современные же печатники постоянно пренебрегают им, исходя, по-видимому, из убеждения, будто ощущение цельности книги создает страница, а не весь разворот».



 





Издательская марка «Келмскотт Пресс» из «Истории сверкающей долины»



 



«Мой друг, библиотекарь одной из самых наших знаменитых частных библиотек, — рассказывает Моррис, — сообщил мне, что в результате кропотливых изысканий он пришел к следующему выводу: согласно упомянутому средневековому правилу ширина полей страницы увеличивается в указанном выше порядке — от внутреннего к нижнему — на двадцать процентов». Здесь можно вспомнить о «золотом сечении» — термине, введенном еще Леонардо да Винчи.



Первоначально предполагалось отпечатать всего 20 экземпляров 192-страничной «Истории сверкающей долины», предназначавшихся самым близким друзьям и знакомым, но о книге заговорили задолго до ее выхода в свет, и библиофилы со всей Англии начали писать Моррису, прося его зарезервировать для них экземпляры. Тираж увеличили, в результате было напечатано 200 экземпляров книги на бумаге и шесть — на пергамене; 180 экземпляров «Истории сверкающей долины» было пущено в свободную продажу, причем книга продавалась по себестоимости. В дальнейшем Моррис также не стремился к тому, чтобы получать какую-то прибыль от издаваемых им книг.



Одно из следующих изданий называлось «Золотая легенда мастера Уильяма Кекстона». Это был очень популярный в с редние века сборник житий святых, составленный итальянским прелатом, архиепископом Генуи Якобом де Ворагине (Jacobus de Vоragine, 1230-1298). В 1483 году эту книгу перевел на английский язык и выпустил в свет британский первопечатник Уильям Кекстон. Моррис решил переиздать эту объемистую книгу — в ней 1310 страниц, переплетенных в три тома. В качестве оригинала для набора было использовано издание 1527 года, которое Моррису удалось приобрести в июле 1890 года. В книге были неплохие иллюстрации, выполненные в технике ксилографии Винкином де Уордом. Моррис решил оставить ту же технику, но гравюры сделать новые и заказать их Эдварду Берн-Джонсу. Однако тот подготовил всего две иллюстрации — недостаточно для толстого трехтомного издания. Поэтому все страницы книги было решено поместить в декоративных рамках с причудливым орнаментальным узором. Каждый новый абзац начинался узорным инициалом. Оригиналы для орнаментики исполнил сам Моррис. «Я всегда рассматривал мои орнаменты, — писал он впоследствии, — как составную часть наборной полосы». И в дальнейшем орнаментальное обрамление страниц, напоминавшее работы венецианского типографа XV столетия Эрхарда Ратдольта, а также узорные инициалы играли важную роль в изданиях Уиль-яма Морриса.



 





Разворот книги «Вести ниоткуда» Уильяма Морриса. 1891 г.



 



Издание «Золотой легенды» финансировал известный лондонский антиквар-букинист Бернард Куорич (Bernard Quaritch, 1819-1899). Первый том был закончен в октябре 1891 года, хотя в колофоне проставлена дата 12 сентября. Всего было напечатано 300 экземпляров на бумаге и пять на пергамене.



В дальнейшем Моррис переиздал еще несколько книг Уильяма Кекстона, в числе которых была и «История Трои» (‘‘Recuell of the Historyes of Troye''). Вариации на тему Троянской войны были весьма популярны в средневековой словесности. Антиква для нового издания не подходила, поэтому Моррис изготовил для него готический шрифт, получивший название «Троя». При этом Моррис, как он сам впоследствии рассказывал, «решил избавить этот шрифт от всего того, что зачастую вызывает упрек в его неразборчивости». В качестве образца были использованы шрифты немецких типографов XV столетия Петера Шеффера, Иоганна Ментелина, Гюнтера Цайнера. Эти мастера, по мнению Морриса, «избегали заостренных концевых элементов и необоснованно узкого начертания, то есть тех самых недостатков, которые и вызвали означенные нарекания в отношении шрифтов последующей эпохи». Конструируя новый шрифт, Моррис отказался от лигатур — слитных изображений двух и более шрифтовых знаков, без которых не обходился ни один ранний готический шрифт.



 





«Сага о Беофульфе». 1895 г. Текстовая полоса, набранная шрифтом «Троя»



 



«История Трои» вышла в свет в 1892 году и распространялась по предварительной подписке. Всего было напечатано 300 экземпляров.



В 1892 году «Келмскотт Пресс» издало восемь книг, а в следующем году — девять. В числе последних были «Поэтические произведения» Уильяма Шекспира и «Утопия» Томаса Мора. В этих книгах можно увидеть и издательскую марку Уиль-яма Морриса. Центральное поле ее заполнено растительным орнаментом, гравированным белым штрихом по черному фону. Поле ограничено широкой рамкой, по которой пущен затейливый вьюнок с цветками и бутонами, выполненный черным штрихом по белому фону. На нижней перекладине рамки готическим шрифтом воспроизведена надпись «William Morris», а среднее поле перерезано лентой с над-писью «Kelmscott». Был у Морриса и другой издательский знак — без рамки.



 





Джеффри Чосер. «Сочинения». 1896 г. Полоса с иллюстрацией Эдварда Берн-Джонса



 





Джеффри Чосер. «Сочинения». 1896 г. Начальный лист с иллюстрацией Эдварда Берн-Джонса



 



Предприятие росло, и со временем Моррис приобрел второй типографский станок, а затем и третий.



Переиздал Уильям Моррис и свое «социалистическое» сочинение «Видение Джона Болла». Эдвард Берн-Джонс нарисовал для этого издания фронтиспис, на котором в трудах праведных были изображены прародители Адам и Ева. Надпись на фронтисписе гласила: «Когда Адам пахал землю, а Ева пряла, кто был господином?». Ответ на этот нехитрый вопрос был созвучен идеалам социализма.



Все издания Морриса, бесспорно, превосходны, но наилучшим все же следует признать «Сочинения» Джеффри Чосера, увидевшие свет в 1896 году. Над этим изданием работа шла в течение нескольких лет, одно только печатание ее заняло 21 месяц — с 8 августа 1894-го по 8 мая 1896 года. «Сочинения» напечатали в большом формате in folio. Для этого издания Моррис сконструировал свой третий, также готический шрифт, получивший название «Чосер». Он во многом походил на шрифт «Троя», но был меньшего кегля.



Жемчужина книги — ее орнаментальное убранство и 87 иллюстраций, гравированных на дереве по рисункам Эдварда Берн-Джонса. Оригиналы этих рисунков сегодня находятся в музее в Кембридже.



Титульный лист «Сочинений» Джеффри Чосера был цельногравированным. Внешняя рамка листа заполнена виноградной лозой с раскиданными по черному полю гроздьями и листьями. Название помещено на прямоугольном внутреннем поле — белыми готическими, но хорошо читаемыми литерами, расположенными в пять рядов на фоне неназойливого орнамента с мельчайшими растительными элементами.



Такая же, как на титуле, внешняя рамка помещается и на начальном листе. В верхней части образованного рамкой «окна» помещена иллюстрация Эдварда Берн-Джонса, изображающая Чосера с книгой в руках в цветущем саду, окруженном невысокими горами. В нижней части окна находиться текст, начинающийся большим инициалом — помещенными на орнаментальном фоне четырьмя литерами, образующими слово «Whan».



«Сочинения» Джеффри Чосера были напечатаны тиражом в 438 экземпляров — 425 на бумаге и 13 на пергамене, а 48 экземпляров были заключены в издательский переплет из свинной и телячьей кожи с орнаментальным тиснением по рисунку Уильяма Морриса. Книжный блок был снабжен серебряными застежками. Бумажный экземпляр продавался по 20 фунтов стерлингов, а пергаменный — по 120 гиней (гинеей именовалась золотая монета, равнявшаяся 21 шиллингу; впоследствии она была заменена совереном). По нынешним временам 20 фунтов — сумма невеликая, однако в конце XIX столетия это были очень большие деньги.



 





«Замечания Уильяма Морриса при основании ‘‘Келмскотт Пресс’’». 1898 г. Начальная полоса



 



«Сочинения» Джеффри Чосера вышли в свет за три месяца до кончины Уильяма Морриса, который умер 3 октября 1896 года. Уже после смерти Морриса в «Келмскотт Пресс» вышла в свет его книга «Любовь — это достаточно», иллюстрированная Э.Берн-Джонсом.



Итоги издательской деятельности Морриса были подведены в выпущенной 4 марта 1898 года 80-страничной книге «Замечания Уильяма Морриса при основании ‘‘Келмскотт Пресс'' с кратким описанием типографии, составленным сотрудником и секретарем Морриса Сидни Кокереллом и аннотированным списком всех отпечатанных в ней книг». Гравированный фронтиспис для этого издания делал Эдвард Берн-Джонс. Было напечатано 525 экземпляров на бумаге и 12 на пергамене.



В общей сложности в типографии «Келмскотт Пресс», просуществовавшей до 1898 года, было напечатано 53 издания. Все они — предмет вожделения библиофилов, хотя их цены на сегодняшнем антикварном книжном рынке поистине астрономические. В Российской государственной библиотеке нет ни одного из этих изданий.



Надо сказать, что издательская деятельность «Келмскотт Пресс», восторженно встреченная библиофилами, нередко критиковалась. Скептики говорили, что книга создана для чтения, а издания Морриса, дорогие и адресованные любителям, не более чем эксперименты, своеобразные упражнения в области декоративного искусства. Люди эти не понимали, что экспериментальное книгоиздание прокладывает дорогу массовому, что найденные здесь приемы и формы в дальнейшем становятся достоянием практики.



Роль изданий Уильяма Морриса в становлении искусства книги ХХ столетия трудно переоценить. На первых порах им откровенно подражали. И в Англии, и на материке стали выпускать издания, страницы которых были заключены в декоративные орнаментальные рамки — как у Морриса. Впоследствии от откровенного подражательства отказались, но был перенят основной принцип «Кельмскотт Пресс» — стремление делать книги, все элементы которых взаимосвязаны и подчинены одной цели.



Именно с Морриса начинается создание так называемых private presses (в буквальном переводе — «частных издательских предприятий), о которых мы надеемся рассказать в отдельной статье.



Богатая личная библиотека Уильяма Морриса, в которой находилось немало первоклассных раритетов, после его смерти была куплена за 18 тыс. фунтов стерлингов библиофилом из Манчестера Ричардом Беннетом. Часть собрания впоследствии была перепродана и в настоящее время хранится в Библиотеке Пирпонта Моргана в Нью-Йорке.



В 1910-1914 годах в Лондоне было издано 24-томное собрание сочинений Уильяма Морриса, подготовленное к печати его дочерью Мей.



В России было известно об издательской деятельности Уильяма Морриса. Его идеи оказали большое влияние на творчество мастеров группы «Мир искусства», о которых мы расскажем в наших следующих статьях. Александр Николаевич Бенуа, наиболее активный из основателей этой группы, говоря о необходимости создания собственного журнала, так сформулировал одну из его задач: «В художественной промышленности избегать вычурное, дикое, болезненное и нарочитое, но проводить в жизнь, подобно Моррису, принципы спокойной целесообразности — иначе говоря, ‘‘вечной'' красоты»1.



Литература о Моррисе обширна. Но, странным образом, на русском языке до сих пор нет ни одной монографии, посвященной его жизни и деятельности. Да и статьи о нем можно пересчитать по пальцам одной руки.



Литература о Моррисе обширна. Но, странным образом, на русском языке до сих пор нет ни одной монографии, посвященной его жизни и деятельности. Да и статьи о нем можно пересчитать по пальцам одной руки.





1Бенуа А.Н. Мои воспоминания в пяти книгах. Кн. 4-5. М., 1980. С. 223-224.



 



Е.Л. Немировский, источник





@темы: william morris, ЖИВОПИСЬ, ГРАФИКА, уильям моррис, Статьи, цитаты, книги, оформление, дизайн, модерн

«Чтобы оформление печатной книги оказалось бы предельно гармоничным» — такую задачу поставил перед собой художник, о котором мы хотим рассказать читателям. Дела его во многом определили пути развития искусства книги. Его мысли, его высказывания о том, какой должна быть книга, актуальны и сегодня. Но обо всем по порядку...



«Прожорливые механические станки в наши дни… вытеснили из памяти тот механизм, которому, несмотря на его несовершенства, мы обязаны прекрасными изданиями Эльзевиров, Плантенов, Альдов и Дидо…» В этих словах Оноре де Бальзака чувствуется тоска по прежним временам. Названные им великие типографы XVI-XVIII столетий на ручных печатных станках делали книги, оставшиеся на все времена непревзойденными образцами полиграфического искусства.



С механизацией основных производственных процессов из типографий словно ушла душа, исчезло вдохновение, присущее ручному труду. В погоне за немедленной и устойчивой прибылью издатели и полиграфисты, для которых XIX столетие стало временем сказочного обогащения, позабыли о законах построения книжного организма, выработанных и проверенных на практике в течение четырех столетий. А когда новые хозяева жизни, которых очень точно прозвали нуворишами (от фр . nouveau riche, что в буквальном переводе означает «новый богач»;), захотели украсить интерьеры своих роскошных особняков книжными полками, им на потребу стали издавать книги в тяжелых переплетах, обильно и безвкусно декорированных золотым тиснением. В оформлении таких книг нередко участвовали хорошие художники, но их работы механически вставляли в книжный блок, иллюстрации не гармонировали со шрифтом, с размерами и пропорциями наборной полосы, да и между собой тоже. А «для народа» издавали аляповатые лубочные издания, также не отличавшиеся вкусом.



 



Уильям Моррис. Избранные сочинения и рисунки. Лондон, 1977. В качестве фона для обложки использованы обои, изготовленные по рисунку Морриса



Уильям Моррис. Избранные сочинения и рисунки. Лондон, 1977. В качестве фона для обложки использованы обои, изготовленные по рисунку Морриса



 



Всеобщее наступление машинной и фотомеханической техники казалось несовместимым с искусством. В начале XIX столетия наивные борцы с машинным засильем ломали всякие механические устройства, которые казались им дьявольским порождением и источником всех бед. Рассказывали, что первым это начал делать английский подмастерье Лудд, почему его последователей и прозвали луддитами.



В середине XIX века по стопам луддитов пошла группа английских художников из «Братства прерафа-элитов», объявившая войну серости и бездуховности современного искусства, которое, как они считали, испытало негативное воздействие всеобщей механизации. Безудержное наступление техники, полагали они, несовместимо с подлинным искусством.



Выход они видели в возврате к дорафаэлевским временам (напомним, что великий итальянец Рафаэль Санти родился в 1483-м, а умер в 1520 году), к эпохе Возрождения, когда искусство было наивно чистым и свободным от политических и коммерческих устремлений.



Прерафаэлиты были очень талант-ливыми людьми. Их картины и рисунки — гордость любого музея. К сожалению, в наших музеях их работ почти нет. Нам остается знакомиться с ними по репродукциям в альбомах. Во главе прерафаэлитов стояли художники Данте Габриель Россетти (Dante Gabriel Rossetti, 1828-1882), Джон Эверетт Миллес (John Everett Millais, 1829-1896), Эдуард Берн-Джонс (Edward Coley Burne-Jones, 1833-1898). Одним из важных направлений их деятельности стала прикладная графика, в частности искусство книги. Впервые в Новое время эти художники говорили о книге как о произведении искусства, как о чем-то цельном, все элементы которого взаимосвязаны. Работая над иллюстрациями, они заботились о том, чтобы изображение гармонировало со шрифтом, с орнаментальным убранством книги, с приемами набора и верстки.



О новом подходе к оформлению книги можно говорить начиная с 1857 года, когда Эдвард Моксон, предпринимая новое издание стихотворений и поэм Альфреда Теннисона, пригласил иллюстрировать книгу как старых мастеров академического толка, так и молодых художников-прерафаэлитов. Крупнейшим иллюстратором, примыкавшим к прерафаэлитам, был Уолтер Крейн (Walter Crane, 1845-1915), который охотно оформлял дет-ские книги, работая в технике цветной ксилографии.



 



Уильям Моррис. Рисунок для обоев «Жасмин». 1872



Уильям Моррис. Рисунок для обоев «Жасмин». 1872



 



Последователи прерафаэлитов, рассказ о которых впереди, возродили искусство книги. Особенно видную роль в истории искусства книги сыграл близкий к прерафаэлитам Уильям Моррис (William Morris, 1834-1896)1. Человек этот был под стать разносторонним и высокообразованным титанам эпохи Возрождения, жизнь которых всегда служила для него образцом.



Моррис родился 24 марта 1834 года в Уолтемстоу, неподалеку от Лондона, в семье, принадлежавшей к так называемому среднему классу. Отец мальчика умер в 1847 году, но семья нашла средства, чтобы дать Уильяму превосходное образование. Он учился в привилегированном колледже Экстер в Оксфорде, где изучал теологию. В колледже Моррис подружился с Эдуардом Берн-Джонсом, поэтически настроенным и религиозным юношей из Бирмингема, и эта дружба сохранилась на всю жизнь. Молодые люди вместе читали поэтов-романтиков Джона Китса и Перси Биша Шелли. Их кумиром был Альфред Теннисон. Они открыли для себя Томаса Мэлори, который познакомил их с романтическими легендами о короле Артуре. Часами друзья просиживали в уютном читальном зале Бодлеянской библиотеки, где познакомились с неувядающей красотой средневековых иллюминированных рукописей. В 1854 году Уильям отправился путешествовать по Бельгии и Северной Франции.



На первых порах Моррис и Берн-Джонс ничего не знали о лондонской группе прерафаэлитов, но затем в одной из частных коллекций увидели работы Уильяма Ханта, Джона Миллеса, Данте Габриела Россетти и под их влиянием решили стать профессиональными художниками. Морриса увлекла архитектура, и он поступил в оксфордскую студию Дж.Э.Стрита, пропагандиста готического зодчества.



«Мне было двадцать два года, — рассказывал впоследствии Э.Берн-Джонс, — и за всю мою жизнь я никогда не встречал и не видел ни одного художника. Единственным человеком из всех, живших на земле, с которым я хотел познакомиться, был Россетти». Вскоре эта мечта осуществилась: Берн-Джонс поступил в колледж, где преподавал этот художник. Позднее в Лондон отправился и Моррис.



В 1859 году 25-летний Моррис женился. Его избранницей его стала позировавшая Россетти, а затем и ему красавица-натурщица Джейн Барден. Россетти в ту пору работал над циклом картин по мотивам «Смерти Артура», и Джейн стала прототипом волнующего образа королевы Гиневры. Брак был счастливым, Джейн родила Моррису дочерей Дженни и Мей, которых он самозабвенно любил.



Предметом особых пристрастий Морриса стало декоративно-прикладное искусство. В 1861 году он вместе с друзьями основал фирму «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Компания», которая брала заказы на оформление интерьеров и занималась, как сейчас принято говорить, дизайном мебели и различной домашней утвари.



Однако в рамках одной профессии Уильяму Моррису всегда было тесно. Он был не только художником, но и поэтом; первую свою поэму написал в 1855 году. В 1858-1870 годах он выпустил несколько сборников поэм, в которых чувствуется сильное влияние английского поэта XIV века Джеффри Чосера. Затем увлекся эпической поэзией и начал переводить на английский язык исландские саги. Исландию Моррис посещал дважды — в 1871-м и 1873 году. Результатом этих поездок стали «Три северные песни о любви» (1875) и четырехтомная «История Сигурда и Вольсунга и падение Нибелунгов» (1876). Морриса волновала и античность — он переводил «Энеиду» Вергилия и «Одиссею» Гомера, увлекся экологией культуры и в 1877 году основал в Лондоне Общество защиты древних памятников.



Затем пришла пора увлечения новыми философско-социальными теориями: в 1883 году Моррис стал членом Социал-демократической федерации. С его стороны это был стихийный протест против прокламируемого благополучия Викторианской эпохи и засилья капиталистических отношений. Взгляды Морриса были по-своему наивны, его идеалом было общество социальной справедливости, ячейками которого должны были стать самоуправляющиеся общины, в которых господ-ствовал ручной труд. Только в таком обществе, о принципах построения которого он рассказал в утопическом романе «Вести ниоткуда», изданном в 1891 году, возможен синтез повсе-дневной жизни и вдохновенного искусства. Перу Морриса принадлежат многие сочинения по вопросам теории и практики социалистического движения. Среди них — написанная в 1894 году статья «Почему я стал социалистом». В Российской государственной библиотеке есть две книги с автографом Уильяма Морриса, посвященные этой тематике. На одной из них — изданном в 1888 году «Видении Джона Болла» — надпись: «To Peter Krapotkine from William Morris. June 3 1888». Книга была подарена князю Петру Алексеевичу Кропоткину (1842-1921), революционеру, видному теоретику анархизма.



 



Уильям Моррис. Рисунок для обоев «Хризантемы». 1877



Уильям Моррис. Рисунок для обоев «Хризантемы». 1877



 



Главной для Морриса оставалась мечта об облагораживании жизни, о том, чтобы сделать человеческое бытие прекрасным. Вслед за прерафаэлитами Уильям Моррис считал, что необходимо возрождение средневекового ремесла. В своем имении он организовал мастерские, где вручную изготовляли мебель, ткали ковры и шпалеры, делали на гончарном круге посуду.



До сих пор шла речь об Уильяме Моррисе — художнике, поэте, предпринимателе, философе и политическом деятеле. Настало время поговорить о нем как об издателе и оформителе книги.



Уильям Моррис страстно любил книгу. В его библиотеке были средневековые иллюминированные рукописи, инкунабулы, палеотипы... «С давних пор, — писал он впослед-ствии, — я испытывал глубокое восхищение перед произведениями средневековой каллиграфии и пришедшими им на смену первыми печатными изданиями. Относительно же книг XV столетия я заметил, что они прекрасны сами по себе, вне зависимости от дополнительных украшений, которыми они обильно снабжены: прекрасны благодаря одной только печати»2. Моррис невольно сравнивал старую книгу с современной, и это сравнение оказывалось не в пользу издателей XIX века. Исподволь пришло решение: «Нужно возродить искусство книги!»



Первые опыты Моррис предпринял в области каллиграфии. Он переписывал собственные сочинения четким готическим письмом и украшал страницы рукописей превосходной орнаментикой. В 1993 году на аукционе «Сотбис» в Лондоне продавалась выполненная Моррисом в 1856 году на пергамене и богато иллюминированная рукопись поэмы «Золотая долина». Она была переписана в трех экземплярах, которые художник и поэт предназначал своим друзьям. Стартовая цена рукописи была установлена в 5 тыс. фунтов стерлингов.



Рассказывают, что побудительным толчком для того, чтобы заняться издательской деятельностью, для Уильяма Морриса послужила Выставка искусств и ремесел, состоявшаяся в Лондоне осенью 1888 года. Друг Морриса Эмери Уолкер должен был прочитать на выставке лекцию о книгопечатании, начиная с первых его шагов. Готовя слайды для этой лекции, Уолкер обсуждал подобранный им материал с Моррисом. Тут-то друзьям стало ясно, насколько далеко современное издательское дело отошло от принципов, которые исповедовали первые типографы.



В декабре 1889 года Моррис начал делать наброски рисунков нового шрифта, который можно было бы использовать для задуманного им книгоиздания.



В 1890 году неподалеку от Лондона, в имении Хаммерсмит, Моррис основал издательско-типографское предприятие «Келмскотт Пресс». В это время ему уже было 56 лет; к тому же он был тяжело болен. Жить ему оставалось всего шесть лет. Можно только удивляться тому, сколько Моррис успел сделать за это короткое время. «Я начал издавать книги, — писал он впоследствии, — надеясь, что некоторые из них заслужат право считаться красивыми — и в то же время легко читаемыми, ибо они не будут ослеплять взор причудливой формой шрифта и причинять читателю излишние хлопоты».



На первых порах планы были непритязательными и предельно скромными. Первоначально Моррис предполагал выделить в своем доме одну комнату, в которой можно было бы набирать и верстать полосы будущих книг. Печатать и переплетать их он собирался на стороне. Но постепенно он отказался от этой идеи. Чтобы книга была прекрасной, а именно такие книги Моррис и собирался выпускать, все полиграфические процессы нужно было сосредоточить в одном месте и непрерывно наблюдать за тем, как они осуществляются.



Свое кредо издательской деятельности Моррис сформулировал в «Заметках о моих намерениях при основании “Келмскотт Пресс”», которые были опубликованы уже после смерти автора — в 1898 году. Эта небольшая статья стала альфой и омегой для многих мастеров книги, работавших в разных странах, в том числе и в России. Правда, на русский язык ее перевели лишь в 1987 году, однако и через 90 лет после своего создания статья оставалась актуальной.



Моррис считал, что в первую очередь надо обратить внимание на «следующие компоненты издания: бумагу, форму букв, определение интервалов между литерами, отдельными словами и строками в зависимости от обстоятельств и, наконец, на расположение текста на странице». Шрифт должен быть оригинальным по рисунку. «Предметом моих поисков, — писал Моррис, — были литеры ясной формы: строгие и цельные, без ненужных украшений, без контраста между утолщениями и тонкими штрихами... и, наконец, не слишком убористые...»



 



Переплет книги «Любовь — это достаточно». Книга переплетена в зеленую ткань, ­украшенную золотым тиснением по рисунку Уильяма Морриса



Переплет книги «Любовь — это достаточно». Книга переплетена в зеленую ткань, ­украшенную золотым тиснением по рисунку Уильяма Морриса



 



Цель же издательского предприятия была сформулирована так: « с оздавать такие книги, которые в качестве произведений печати и благодаря облику наборной полосы представляли бы собой нечто такое, что могло бы доставить радость при созерцании».



Уильям Моррис полагал, что машинная индустрия и искусство книги несовместимы. В его типографии стояли ручные печатные станки «Альбион», давно уже вышедшие из употребления. Станок этот сконструировал англичанин Ричард Уайттекер Коуп еще в 1820 году. Печатали на таких станках по старинке, не торопясь. Тиражи были небольшими — 300-400 экземпляров. К массовости Моррис не стремился. Книги его были дорогими; они расходились по коллекциям состоятельных библиофилов. «Келмскотт Пресс» была опытной лабораторией, экспериментальным производством. Выстраданный здесь тезис о книге как цельном организме, в котором важно все: и бумага, и краска, и шрифт, и переплет, — был впоследствии воспринят художниками-оформителями многих стран и взят на вооружение издательствами, выпускавшими книги не только для библиофилов, но и для массового читателя.



 



Издательская марка «Келмскотт Пресс»



Издательская марка «Келмскотт Пресс»



 



Бумагу ручной выделки для «Келмскотт Пресс» поставлял мастер Джозеф Батчелор. На ней были специальные водяные знаки (цветок, жердь, яблоко), рисунок для которых выполнил сам Моррис. По этим филиграням и назывались три сорта бумаги, которые использовались в «Келмскотт Пресс». Высококачественный белый пергамен привозили из Рима. Его изготовляли из шкур новорожденных телят, не достигших шести недель от роду.



«Выбор бумаги ручного черпания из-за ее добротности и внешнего вида, — рассказывал впоследствии Уильям Моррис, — с самого начала не вызывал у меня никаких сомнений. Экономить на качестве бумаги значило встать на ложный путь, так что я обдумывал лишь, какую именно разновидность бумаги ручной выделки должен буду подготовить. В итоге я пришел к следующим двум выводам: во-первых, бумагу следует изготовить исключительно из льняного тряпья..., причем она должна быть абсолютно «плотной», то есть полностью проклеенной; во-вторых, бумага требуется рифленая, а не веленевая, то есть изготовленная в ситах с проволочной сеткой, однако следы этой сетки не должны быть слишком явными».



Краску для типографии привозили из Германии, из Ганновера. Изготавливали ее там по реконструированной старой технологии времен инкунабулов.



 





1О нем см.: Collebrook F. William Morris, Master Printer. London, 1897; Schmidt-Kunsemuller F.A. Morris und die neuere Buchkunst. Wiesbaden, 1955; Thompson P. The work of W.Morris. London, 1967. Библиографию сочинений Морриса и литературы о нем см.: Scott T. A Bibliography of the Works of William Morris. London, 1897.



2Моррис У. Заметка при моих намерениях при основании «Kelmscott Press» // Книгопечатание как искусство. Типографы и издатели XVIII-XX веков


о секретах своего ремесла. М., 1987. С. 87.



 



Е.Л. Немировский, источник





@темы: william morris, ЖИВОПИСЬ, ГРАФИКА, уильям моррис, Статьи, цитаты, книги, оформление, дизайн, модерн

В продолжение постов



Художественное течение "Движение искусств и ремесел" (The Arts & Crafts Movement)


и   


International Arts and Crafts: William Morris to Frank Lloyd Wright



 


 


«Он подобен башне, становящейся все выше и выше, поднимающейся над горизонтом, за которой одна за другой закатываются звезды его казалось бы более прославленных современников» (с). Уильям Моррис - поэт, художник, ремесленник и дизайнер,  стоявший у истоков концепции синтеза - ключевого понятия нового искусства.


 



  William Morris


 



 


Уильям Моррис родился в 1834 г. Его семья, имевшая уэльское происхождение, не только обеспечила богатое викторианское окружение, в котором Уильям развивался и рос, но и поддерживала многие его художественные предприятия на протяжении всей его жизни. Идиллическое детство Морриса в Вудфорд Холле оказало огромное влияние на его жизнь. Дом располагался в наиболее живописном и зеленом пригороде Лондона, и в детстве Уильям провел много часов, созерцая окрестные красоты. Он унаследовал восхищение своего отца перед Средневековьем, которым они наслаждались, посещая церкви в Эссексе, Кентерберийский кафедральный собор. Визиты в охотничий замок королевы Елизаветы I в Чингфорд Хатч пробудили в молодом Уильяме интерес к традиционному английскому убранству интерьера.



 


Моррис получил классическое образование в Марльборо и Оксфорде. В 1856 году он начал учиться под руководством архитектора Дж.Е.Стрита, но под влияньем Д.Г.Россетти вскоре увлекся увлекся живописью и примкнул к Братству прерафаэлитов. Но  художником он был средним, и сам признавал это. Из его картин, в сущности, известна только одна - Гвиневера (1858).



 



 



 



Джейн Берден (муза прерафаэлитов) , позировавшая для этой картины, в 1859 г. стала его женой. Они переехали жить в знаменитый теперь Красный дом (Red  House), превратившийся в место сборов  общины  художников-единомышленников.



 



 Красный дом



 



Создавая "прекраснейшее место на земле" для себя, семьи и друзей, Моррис задумал "добиться полного тождества собственной реальной жизни, ее человеческих связей и предметного окружения с идеальным художественным замыслом". Этот дом был попыткой воплотить в жизнь и художественную практику морально-этическую утопии Джона Рескина с ее идеалами простоты и справедливости. Ред хауз был построен архитектором Филипом Уэбблом в Бексли-Хис (ныне часть Лондона). Моррис с друзьями-художниками хотели превратить его в совокупное произведение пространственных искусств, гармоничную среду, которая послужит матрицей идеальных человеческих отношений, облагороженного искусством образа жизни.В профессиональнм плане цель была достигнута. Этот дом средневековый по своей философии, но по стилю он резко отличается от пышной викторианской псевдо-готики, которая была очень популярна в это время.В нем все сдержано и практично. Общая простота внутренних помещений со стенами белого цвета оттенялась художественно-выразительными предметами мебели. витражами, фресками, выполенными усилиями Э.Бёрн-Джонса, Д.Г.Россетти, Ф.М.Брауна и других прерафаэлитов.



 





Red House, Bexleyheath painted by Walter Crane


 


Развивая эксперимент, начатый строительством Красного дома, Моррис в 1861 году основал фирму Morris, Marshall, Faulkner & Co, которая занималась любыми видами дизайна. Моррис и его единомышленники пытались вернуться к великолепию Средних веков и выпускали обои, ткани, витражи, шпалеры и мебель ручной работы. Использовавшая только квалифицированная ручной труд фирма имела успех; ее продукция хорошо раскупалась. В 1860-хМузей Виктории и Альберта обратился к фирме с просьбой заняться отделкой одного из залов, который назывался "Зеленая столовая", но с тех пор он известен как Моррисовский зал. Витражи Берн-Джонса, панели, замечательный сундук и пр. - комната целиком является экспонатом музея.



 



  William Morris



 



Дирекция музея сокрушалась по поводу того, во что обошлась ее отделка; те, кто видел дизайнерские работы фирмы, замечали: если хочешь соответствовать стандартам Морриса, имей толстый кошелек.



Позднее фирма старалась выпускать вещи для людей со скромным достатком. Самым знаменитыми образцами мебели простых форм стала серия "сассекских" стульев. "Мебель добрых горожан", как ее называли, создавалась на основе народной традиции английских сельских домов, восходящей к 18 веку. "Сассекские" стулья продавались намного дешевле других изделий фирмы и были, безусловно, по карману со скромными средствами.



 



  William Morris



 Сассекские стулья



 



Постепенно Моррис понимает, что, несмотря на попытки создавать дешевые вещи, созданная им фирма, делавшая по-настоящему красивые предметы быта, работает только на богатых. Он столкнулся с дилеммой: изделия ручной работы намного дороже фабричных и, стало быть, недоступны массам неимущих. Отвергая машинное производство, Моррис не смог сделать качественные вещи доступными массовому потребителю, повлиять на быт и художественную культуру времени. Признав это, он пришел к выводу, что идеал неосуществим вне преобразований общества. Отвергая веру в эстетическую утопию, Моррис, однако, не отказался от утопизма как такового, примкнув в 1883 году к социалистическому движению.



 



  William Morris



 



В 1887 он основывает "Движение искусств и ремесел" (Arts and Crafts), которое распространяет его идеи едва ли не на все области художественной деятельности. "Искусства и ремесла" становятся наименованием стиля, проявившегося в архитектуре, мебели и книжной графики, в росписях на тканях, в создании садов и керамике.



 



 



 Arts and Crafts





 Узоры на обоях



 



Этот стиль отличался насыщенной декоративностью, камерностью, тщательно продуманной простотой и рукотворностью. Вскоре он завоевал популярность во всей Европе и спровоцировал возникновение модерна - нового "большого" стиля в европейском искусстве. Творчество Морриса открывает новую страницу в истории европейского интерьера. В его эпоху стала казаться смешной помпезная торжественность буржуазных домов, и, в то же время, стали очевидными все опасности массового производства стандартных вещей. В обстановке кризиса декоративного искусства именно Моррис предложил несколько смелых и до сих пор актуальных принципов работы с интерьером: уникальность авторских художественных решений, возвращение к ручному производству вещей и в целом к естественной простоте и удобству старинных традиционных домов.



 



 Arts and Crafts



 



 William Morris





Витражи Морриса



 



Моррису принадлежит огромная роль в создании домашнего стиля, который теперь принято называть "английским". Уильяма Морриса интересовала не просто красота вещи, а ее органичная соразмерность собственному окружению, в котором в свою очередь не должно было быть ничего лишнего, ничего «слишком». Он чувствовал и стремился к изучению уникальной ауры, под воздействие которой попадает человек или вещь. Возможно, в этом и был его главный талант как художника и дизайнера.



 



 Arts and Crafts


Книга с образцами


 




Декоративные наволочки с фирменной вышивкой


 


  Arts and Crafts



 



В 1891 он основал издательство "Келмскотт Пресс", в котором книги печатались только на ручном станке и на высококачественной бумаге ручной выделки, сырьем для которой служило льняное тряпье. Моррис писал: "Я задумал печатать книги с надеждой, что некоторые из них... смогут претендовать на то, чтобы именоваться прекрасными, причем в тоже время их легко будет читать и они не будут... раздражать ум читателя эксцентричностью формы своих букв... Такова была сущность моего предприятия - выпускать книги, на которые будет приятно взглянуть". 



 



 William Morris





 



Моррис был поклонником средневековой каллиграфии и раннего книгопечатания. Свои представления о книжном искусстве он изложил в своей лекции "Идеальная книга" (1893 год). Более темный шрифт, сочетающийся с орнаментами, инициалами и гравюрами по мнению Морриса должен был произвести на читателя более сильный эффект, чем современные ему серенькие коммерческие издания. Моррис утверждал, что орнаменты и инициалы являются очень важными, если не необходимыми элементами книги.



 





 



Издания Морриса - поистине шедевры книжного искусства. За период работы издательства, 1891-1898 годы, были выпущены 53 книги. Тираж каждого издания был небольшим - ок. 400 экземпляров, ведь книги делались на ручном станке. Первой книгой, выпущенной в Kelmscott Press, был роман самого Морриса "История сверкающей долины". Книги естественно были дорогими и расходились среди узкого круга ценителей.



 





 



Умер Моррис в 1896 году. Его врач объявил, что причина смерти заключается в том, что "он просто был Уильямом Моррисом и сделал работы больше, чем десять человек". Его вклад в развитие и реализацию принципов "Движения искусств и ремесел" неоценим. Идеи движения, направленные на гармонизацию индустриального общества, способствовали выработке нового направления, предназначенного для массового механизированного производства товаров широкого спроса, которое впоследствии будет именоваться "дизайн".



Источник





@темы: Предметы интерьера, william morris, ЖИВОПИСЬ, ГРАФИКА, уильям моррис, the arts & crafts movement, движение искусств и ремесел, прерафаэлиты, дизайнер, Личности, Европа, дизайн, модерн

Можно полюбоваться деталями нарядов, увеличив любую фотографию:























Источник



@темы: платья, старая фотография, мода, fashion, paris, дамы, париж, Европа, модерн


Написано Arin_Levindor Оригинальное сообщение

Перманент эпохи модерна. Иван Андреев - русский куафер


 



В 1904-1905 гг. Карлом Нестле в Германии была изобретена термическая завивка: горячий перманент – химическая завивка с помощью препаратов и тепловой обработки нагревателями. Способ был в 1908 г. запатентован, но ручное нагревание локонов было громоздким и неудобным, а время завивки – более 10 часов. И вот, в 1924 г. Иозеф Мейер применяет плоское накручивание прядей, а француз Марсель изобретает щипцы, создающие волнистость, близкую к естественной. Щипцы имели различную толщину и выполнены были из особого сорта стали. Появилась горячая завивка щипцами. Усовершенствование аппарата Мейера получило широкое распространение по всей Европе. Аппарат крепили к потолку или на стойке. С потолка свисали провода и шланги. Еще сейчас в некоторых парикмахерских сохранился этот вид электрозавивки. Существовал аппарат и для нагревания паром бигуди с накрученными прядями. Эта завивка выполнялась под действием трех факторов:





1) химического (жидкость для завивки);


2) физического (температура среды);


3) механического (накрутка прядей на бигуди).









Coiffures de Mr. Borderie, 36, Bd. de Strasbourg, Paris. (1910)


 (501x698, 56Kb)





Недостаток данного метода заключается в том, что остается часть прямых волос в 2-3 см от корней и структура волос не восстанавливается, как это удается сделать с помощью нейтрализации при современном варианте. Современная химическая завивка вытеснила все предыдущие способы перманента и завоевала прочное место в парикмахерских и на дому у любителей парикмахерского искусства.





"Салон красоты" начала ХХ века найти было достаточно просто. Непременная вывеска в виде ножниц, вырезанных из жести или картона, и лубочные картинки с незатейливыми изображениями оказываемых услуг не оставляли места для сомнений - перед нами парикмахерская. Впрочем, внутреннее убранство большинства таких заведений тоже не поражало особой элегантностью. Скорее, наоборот, - цирюльник с несколькими помощниками принимал клиента запросто, без затей: грязные углы, облупленные стены и летающие повсюду мухи казались неотъемлемой частью интерьера.








Coiffures de Mr. Borderie, 36, Bd. de Strasbourg, Paris. (1914)


 (507x699, 52Kb)





Усадив вошедшего в кресло и обернув его простынкой, мастер зычно кричал: "Мальчик, воды!",- и "мальчик" немедленно водружал на подзеркальник жестянку с горячей водой. Затем посетителя брили или стригли обычным порядком, тот расплачивался и спешил по своим делам. Но "свято место" пусто не бывает, и появление нового клиента означало, что процедура повторится в той же последовательности. Поэтому "мальчик" должен был постоянно держать наготове горячую воду, чтобы подавать ее хозяину снова и снова. И горе было нерасторопному - наказание следовало незамедлительно! Кипячение воды наряду с зуботычинами и выполнением разных мелких поручений гордо именовалось "обучением парикмахерскому делу", и продолжалось все это не один год. Какие уж выходили из таких учеников парикмахеры, можно только догадываться...











Однако прав был Михайло Ломоносов: "Может собственных Платонов и быстрых разумов Невтонов Российская земля рождать"! Путь одного русского куафюра, начинавшийся, как и у многих, с должности "мальчика на побегушках", привел к званию заслуженного профессора парикмахерских искусств. Согласно некоторым источникам, в метрике о рождении его звали Иван Андреевич Козырев, но Российская империя и Европа узнали его под фамилией Андреев. Псевдоним, который взял себе мастер, прославил его на весь мир! Но до этого момента Ивану Андреевичу пришлось, что называется, сполна хлебнуть горя.





Coiffures de Mr. Brillaud-Noirat, 7, rue des Capucines, Paris. (1913)


 (510x699, 58Kb)





Родился он в семье крепостных крестьян Калужской губерни и с детства был привычен к тяжелому труду. Будучи еще совсем маленьким, Ванятка легко управлялся с домашней скотиной и готовился стать достойной сменой отцу. Но семья все равно жила впроголодь - порой в доме не было даже хлеба. Чтобы выбраться из нищиты, в 1861 году родители отправили юного Ивана в Москву на заработки. Оказавшись в огромном незнакомом городе, он хватался за любую возможность подзаработать, втайне грезя о "чистой" профессии, - быть половым в трактире или дослужиться до приказчика в скобяной лавке казалось юноше пределом мечтаний. Но судьба распорядилась иначе...


Однажды на улице Андреев столкнулся со своим земляком: тот, пристроившись работать дворником, был вполне доволен жизнью и не понимал зачем Ивану искать лучшей доли. Но помочь согласился - отвел его в парикмахерскую к цирюльнику Артемову, заведение которого находилось на Сретенке. Стричься туда ходил, в основном, небогатый люд и публика с Сухаревского рынка, так что в посетителях, особенно в выходные дни, недостатка не было. Пристально оглядев подростка, Артемов, поломавшись, согласился взять его в ученики.





Coiffures de la Maison Garand, 55, Bd. Haussmann, Paris. (1913)


 (507x699, 60Kb)





Позднее, уже добившись всемирной известности, Иван Андреевич неохотно вспоминал об этом периоде своей жизни. Но, к счастью, он все же поделился своими впечатлениями с несколькими людьми. И одним из слушателей, заслуживших его доверие, оказался известный однофамилец великого куафюра - Леонид Андреев. Рассказанная история так потрясла писателя, что он использовал ее как основу для своего рассказа под названием "Петька на даче"...


Время ученичества у Артемова стало настоящим адом. Спал Ваня на полу, подложив под голову полено и накрывшись рваной шубейкой, но и это удовольствие было весьма недолгим. Ведь вставать приходилось в пять утра: нужно было идти за водой. Зимой - в старых хозяйских сапогах с ушатом на санках, а летом - с тяжелыми ведрами на коромысле.


В те времена ученику цирюльника, вопреки здравому смыслу, вообще меньше всего приходилось иметь дело с парикмахерским инструментом. Предметом особого внимания и ухода, помимо воды, становились... сапоги хозяина - подростку было велено каждый день начищать их до блеска. Помимо этого, он должен был своевременно поставить самовар, чтобы хозяева, встав с постели, могли "откушать" горячего чаю, а также подмести и вымыть пол, наколоть дров. Чтобы "мальчик" не ленился и успевал сделать все, что вменялось ему в обязанности, и хозяин, и хозяйка, и мастера считали своим гражданским долгом постоянно "воспитывать" его при помощи кулаков, розг, оплевух и подзатыльников...





Hairstyles for women, France, 1910s.] (1913)


 (438x699, 47Kb)





В десять утра цирюльник Артемов, страдавший туберкулезом и оттого вечно пребывавший в самом мрачном расположении духа, собирал своих учеников в одной из комнат и начинал обучение азам парикмахерского искусства. Урок заключался в том, что мальчикам сначала рассказывали о способах изготовления париков, а затем давали задания для самостоятельной работы. В то время при многих цирюльнях располагались постижерные мастерские, принимавшие заказы на модные тогда искусственные шиньоны и косы. Содержать подобное заведение было весьма выгодным делом, так как работали в них обычно те самые ученики, чей труд стоил сущие гроши. Правда, требования у такой работе, несмотря на мизерность оплаты, были чрезвычайно жесткими: в течение дня нужно было сделать тридцать полос в три пробора, вшивая в монтюру по одному волосу. Занятие требовало не только определенных навыков, ловкости пальцев и хорошего зрения, но и огромной усидчивости - малейшая ошибка могла привести к безнадежной порче всего изделия. Что следовало за этим, нетрудно догадаться...Улучив свободную минутку, Иван во все глаза смотрел, как мастера бреют и стрегут, завивают локоны и нафабривают бакенбарды, стараясь запомнить все, вплоть до мельчайших деталей...


На исходе девятого года ученичества Иван Козырев случайно познакомился с молодым в те времена парикмахером Агаповым. Приметив несомненный талант молодого человека, сразу предложил Ивану шестилетний контракт, согласно которому тот должен был выполнять все обязанности мастера, то есть стричь, брить и выполнять прически разного уровня сложности. Конечно же, согласие было получено сразу же - и для Ивана началась новая жизнь...





Coiffures vues au théâtre réjane à la première de "Zaza." (1914)


 (434x698, 67Kb)





Работа в процветающем салоне дала юноше уникальную возможность не только значительно усовершенствовать свое мастерство, но и первым узнавать о новинках и тенденциях парикмахерской моды того времени. И он трудился не покладая рук! Тем более что уже тогда Иван четко поставил для себя цель - скопить достаточно денег, чтобы открыть собственную парикмахерскую. В том, что услуги его заведения будут пользоваться спросом, он не сомневался - "золотые руки" московского куафюра приобретали все большую популярность среди благодарных клиетнов.


Похоже, цифра 9 играла в его судьбе немалую роль: девять лет ученичества привели его к Агапову, а девять лет напряженной работы после этого позволили начать собственное дело. Точно известно, что "андреевская" парикмахерская открылась в 1879 году, однако по поводу ее месторасположения существуют две версии. Согласно первой, открылась она на Кузнецком мосту, где уже в то время находилось множество фешенебельных модных магазинов. Согласно дроугой версии, парикмахерская Андреева работала на Петровке. Как бы там ни было, обустраивая свой собственный салон, Иван Андреевич рассудил, что "не пожалеет денег - лишь бы посетителям было удобно и приятно".





Coiffures de Mr. Madon, coiffeur de Mme. Poincaré, 4, Bd. Malesherbes, Paris. (1913)


 (509x699, 60Kb)





Стремясь сделать свое заведение максимально непохожим на остальные убогие цирюльни, он, знаком с внутренним устройством европейских парикмахерских по картинкам из модных журналов, приобрел самую лучшую мебель, инструменты и новомодные средства. Выглядело все это следующим образом: в стеклянных витринах были выставлены косметические и парфюмерные препараты, здесь же размещались образцы модных дамских причесок и разнообразные аксессуары к ним, рядом красовались постижи. Позднее при салоне открылся и магазин, в котором посетители могли приобрести модный шиньон или понравившееся средство по уходу за волосами.


Следуя европейскому образцу, Андреев распорядился, чтобы в каждом зале его салона выполнялась только одна операция. Парикмахерская Ивана Андреева процветает,благодаря чему его имя становиться широко известным. Правда, пока только в Москве, но Андреев неустанно работает, готовясь к настоящей славе. И она не заставила себя долго ждать!





Coiffures de Mr. Perrin, 28, Fg. St. Honoré, Paris. (1910)


 (499x699, 55Kb)





Первой значительной наградой стала "Большая серебряная медаль", полученная в 1885 году за участие во Всероссийской выставке. Но это было только началом - по прошествии еще трех лет Иван Андреевич прославился как первый русский парикмахер, получивший признание во Франции. В 1888 году в Париже три созданные им вне конкурса прически произвели настоящий фурор. За них Иван Андреев получил бриллиантовые академические Пальмы и сорвал аплодисменты не только модной публики, но и заслуженных парикмахеров-французов. После победы в Париже его карьера резко пошла в гору. В 1900 году на Всемирной выставке в Париже талантливый русский мастер прогремел на весь мир, победив в конкурсе, участникам которого были около пятидесяти опытнейших парикмахеров. И не просто победил, а фактически "сорвал" весь призовой фонд, получив сразу несколько наград:"За искусство", "Большую золотую медаль", "Большую серебряную медаль" и Золотой крест наряду с дипломом на звание профессора парикмахерского искусства. Свои почетные призы Андреев завоевал за отлично выполненные конкурсные прически в "королевском стиле": а-ля Людвик ХV и ХVI, а вот звание профессора наряду с последующим триумфальным чествованием достались ему не только за мастерство, но и за удивительную способность к творчеству.


Словом, это был несомненный успех! Увенчали поразившего всех русского мастера достойно: по традиции победителя должны были посадить на "Золотой стул", но в отношении Андреева дело не ограничилось простым "усаживанием". Восхищенная толпа несколько раз пронесла его на этом троне вокруг Монмартра. А дирекция конкурса, покоренная невероятным талантом русского куафюра, устроила в его честь бал...





Coiffures de Mr. Julien Laumet, 15, Place de la Madeleine, Paris. (1914)


 (506x699, 49Kb)





Дальнейшая судьба Андреева складывается не менее удачно. Вернувшись в Москву триумфатором, он стал самым модным в городе парикмахером. Стрижки "от Андреева" могли позволить себе только очень обеспеченные люди: цены в его салоне всегда были довольно высокими, но после парижского успеха стали просто бешеными. Андреев пользовался заслуженным авторитетом не только как высококласный мастер, но и как профессионал - после победы на Всемирной выставке его не раз приглашали в качестве эксперта и члена жюри на многочисленные выставки, соревнования по парикмахерскому искусству и показы причесок. А в 1909 и 1912 годах, по многочисленным просьбам коллег и учеников, Андреев даже выпустил каталоги своих причесок, которые получили широчайшее распространение, - рисунки его работ размещали многие известные европейские журналы.





Coiffures de Mr. Lalanne, 100, Fg. St. Honoré, Paris. (1913)


 (506x699, 54Kb)





Помимо этого, он продолжал заниматься парикмахерским делом, обучая секретам своего ремесла множество людей и управляя собственным салоном и магазином. А постоянное стремление к совершенству заставляло Андреева внимательно следить за всеми изменениями в отрасли, осваивая новые инструменты и изучая всевозможные косметические средства. Благодаря этому он одним из первых начал делать короткие стрижки, ставшие необычайно популярными в 20-х годах прошлого века. Его собственные работы, по общему признанию, отличавшиеся невероятной чистотой линий и особой элегантностью укладки, стали образцом для последующих поколений парикмахеров. Он был первым русским парикмахером, создавшим свою школу: многие его ученики, в свою очередь, стали известными мастерами. Андреев научил их тому главному, что умел сам, - сохранять индивидуальность и ценить красоту.


 



За эти прически Иван Андреев получил три Бриллиантовые пальмы на конкурсе в Париже.








На Всемирной выставке в Париже.


Слева: прическа "Луи ХVI с париком из белых волос", за которую Иван Андреев получил золотой крест и почетный диплом. Справа: прическа "Луи ХV", за которую получил Большую золотую медаль.











На Всемирной выставке в Париже.


Прическа "Фантазия" "с трансформатионом", за которую Андреев получил Большую серебряную медаль








 






http://museum.fin.ru/m.cgi?1020bATb...JzIuxJbEiJ_Mi2y


http://www.krasota.ru/krasota/artic...int.htpl?id=183


http://hairmaker.ru/?Nemnogo_istorii





@темы: завивка, укладка, иван андреев, перманент, мода, парикмахерское искусство, прическа, Личности, парикмахер, волосы, Цитаты


Написано rodich2007 Оригинальное сообщение

553_001 (699x451, 217Kb)



 



Монте-Карло (Monte-Carlo) - один из 4 районов Монако, центр ночной жизни и азартных игр. Главной достопримечательностью является, несомненно, Казино (Casino de Monte-Carlo) - первый игорный дом в Европе и одно из старейших и респектабельных игорных заведений планеты, к тому же давшее миру само понятие "казино". Этому заведению вся страна обязана своим "вторым рождением" - во время экономического кризиса конца XIX века доходы от игорного бизнеса практически спасли страну от банкротства. Комплекс Казино неоднократно перестраивался (старейшее здание датируется 1878 г., а самое новое - 1910 г.).Практически все туристы, посещающие Монако, посещают и казино. 



Помимо казино «Монте-Карло» в Монако можно поиграть ещё в четырёх заведениях – это Cafe de Pari (открылось в 1933 году), Le Sun Casino (открылось в 1975 году) и Le Sporting Monte-Carlo (открылось в 1999 году). В Монако на сегодняшний день установлено около 1000 игровых автоматов.



Финансовая составляющая доходности сегодняшнего казино совсем не такая, как 100 лет назад, когда игорный бизнес такого уровня был доступен только в Монако. В 1973 одно казино «Монте-Карло» давало 5% бюджетных доходов, а сегодня все четыре казино в Монте-Карло дают около 4-5% доходов княжества.


Говоря о действующем в стране законодательстве в отношении деятельности по организации и проведению азартных игр и пари, можно отметить запрет на посещение казино местному населению и допуск в игровые заведения лиц, достигших 21 года. Для залов карточных игр необходима обязательная регистрация. Также для того, чтобы зайти в казино «Монте-Карло», необходимо купить входной билет. Вход в приватный зал казино только в вечерних туалетах и костюмах с галстуком.



 



 (700x457, 161Kb)



 (700x448, 192Kb)



 (458x699, 187Kb)



 (453x699, 197Kb)



 (448x698, 150Kb)



 (446x699, 151Kb)



 (700x439, 199Kb)



 (699x444, 159Kb)



 (699x451, 210Kb)



 (699x447, 216Kb)



 (699x451, 174Kb)



 (432x699, 166Kb)



 (700x444, 173Kb)





@темы: Афиши, плакаты, открытки, monte-carlo, старая открытка, казино, монте-карло, Цитаты


Написано Arin_Levindor Оригинальное сообщение

Лилиан Рассел (урожденная Хелен Луиза Леонард) (4.12.1860 - 6.6.1922), американская актриса и певица. Карьеру начала в театре "Казино" на Бродвее в Нью-Йорке, затем перешла в Оперу Бижуа, ездила с гастролями в Англию. В 1899-ом году перешла в Мюзик-холл, где выступала до 1904-го года. В последние годы своей жизни занялась журналистикой и борьбой за права женщин.






Она родилась в городе Клинтон, штат Айова в семье Чарли Леонарда — владельца газетного бизнеса и Синтии Леонард.В восемнадцать лет она с матерью переезжает в Нью-Йорк, где мать возглавляет движение феминисток и начинает вести активную борьбу за пост мэра города, но терпит неудачу на выборах. Тем временем карьера дочери идет в гору. Благодаря стараниям бабушки девушка берет уроки у известного преподавателя пения Леопольде Дамроше. Однажды ее голос услышал знаменитый импресарио Тони Пастор, пораженный ее голосом и красотой, он немедленно приглашает ее играть в свой театр на Бродвее под новым именем Лиллиан Расселл.В мгновенье ока, не смотря на отрицательное отношение матери к ее профессии, молодая леди становится самой известной певицей Нью-Йорка. Девушка окружена вниманием поклонников и меценатов, среди которых миллионеры Джесси Льюисон и легендарный Алмаз Джим Брэди (Бриллиантовый Джим ) .






Бриллиантовый Джим был таким же напыщенным и колоритным, как Расселл. Он начал карьеру как носильщик на вокзале, а затем стал продавцом, и в конечном итоге -поставщиком оборудования на все железные дороги Соединенных Штатов. Первым, что он продал, что составило его первое состояние, была колючая проволока. Человек с гигантским аппетитом, по мнению некоторых людей, умер от обжорства в 1917 году. Он украшал свое тело бриллиантами: булавками, запонками и кольцами. Даже в его брюки были вшиты бриллианты - в качестве пуговиц, поддерживающих его внушительные подтяжки. И он любил дарить бриллианты, особенно первой красавице Америки, Рассел.






Лиллиан Рассел можно смело назвать секс-символом своего времени. Хотя, по слухам она весила 90 кг (!).


Для нас это конечно толстуха, но тогда красота женщины измерялась совсем другими параметрами :)


сожалению, за пределами 51 штата она сейчас не очень известна, но в свое время ее имя гремело.


Певица и актриса. Лицо – концентрат китчевых открыток начала века, такие рисовали на коробках конфет и в Америке и в царской России. Формы – более, чем пышные.






Про Лиллиан Расселл ходит множество анекдотов. Про то, как она любила поесть и могла поглотить по пять десертов за раз. Про ее путешествия по стране, про то, как она «включала звезду» и скандалила в гостиницах. Про ее гулянки и вечеринки в закрытых кабинетах ресторанов. Про то, как она коллекционировала бриллианты. Diamonds are the girl’s best friends, - пела Мерилин Монро. Во время Первой Мировой Лиллиан Расселл выступает перед отправляющимися на фронт американскими солдатами и организует сбор пожертвований на нужды обороны (или, скорее, нападения?).






 (474x699, 51Kb)








 (457x698, 88Kb)





 (456x698, 100Kb)





 (460x699, 84Kb)





 (462x699, 87Kb)





 (462x699, 81Kb)





 (467x698, 73Kb)





 (464x699, 69Kb)





 (453x699, 132Kb)








 (473x699, 80Kb)





 



http://www.krasota.ru/krasota/artic...ow.htpl?id=1264


http://juliettebenzoni.narod.ru/ser...about/about.htm


http://mscfdn.org/drama/421-lillian_rassell.html


http://www.vusnet.ru/biblio/archive...en_jisn/04.aspx





@темы: lillian russell, Красавица, лиллиан расселл, актриса, певица, Личности, модерн, Цитаты


Написано Парашутов Оригинальное сообщение

Говард Чандлер Кристи


Howard Chandler Christy





1873 - 1952











Говард Чандлер Кристи апрель1900


Говард Чандлер Кристи





Американский художник-иллюстратор.


Кристи было всего 22 года, когда первая иллюстрация "Christy Girl" был издана в ноябре 1895 в журнале "The Century». Как и его современники, Бенда, Франклин Бут, Фрэнк Крейг, Харрисон Фишер, он был молодым художником в Нью-Йорке в то время, когда журналы требовали подобные изображения.





Кристи приехал в город из Огайо в 1890, когда ему было 16 лет, чтобы поступить в Национальную Академию дизайна и Лигу студентов отделения гуманитарных наук, где он учился у Уильяма Меррит Чейза. Но быстро закончились деньги, ему нечем было платить за учебу и квартиру, и Кристи был вынужден был возвратиться в Огайо. Два года спустя, он возвратился к учебе и продолжил учиться у Чейза, который продвигал, как главный способ рисования – творчество на "plein air", т.е. на плэнере. Чейз не открывал свою собственную школу до 1896, таким образом, это были частные уроки.





При этом работы Кристи скоро стали пользоваться спросом. Будучи студентом, Кристи и получил в 1895 заказ от журнала «The Century». Редакторы всегда были в поисках молодых художников, а Кристи был всегда в отличниках.


Известность к Кристи пришла после издания его картины «Мечта солдата», изображающей солдата, курящего трубку и женщину, появляющуюся в дыме, которая была издана в Scribners. Девушка, которую он изобразил в этой и последующих картинах, стала потом известна, как «Christy Girl».











Красавица 1906 г.


В опере 1906 г.




















Водные лилии 1906 г.


В театре 1906 г.





Малоизвестный аспект ранней карьеры Кристи – иллюстрации к «Гамлету», выпущенные издательством Dodd-Mead в 1897 году. Эта книга подтверждает, что в возрасте 24 лет, Кристи был уже опытным и популярным иллюстратором. Среди книжных иллюстраций следует отметить «Miles Standish» в 1903 и «Old Sweetheart». Позже были изданы иллюстрации к «Леди озера» Уолтера Скотта (1910) и поэме Теннисона «Принцесса» в 1911. Даже известные романы, такие как «Последний из могикан» Фенимора Купера, были иллюстрированы рисунками Кристи, на которых были изображены «Christy Girl».











Говард Чандлер Кристи Иллюстрации к поэме Альфреда Теннисона "Принцесса" 1911 г.











Говард Чандлер Кристи Иллюстрации к поэме Альфреда Теннисона "Принцесса" 1911 г.





В 1898 он иллюстрировал рисунками статьи о войне за независимость для журнала Scribners. Несколько месяцев спустя журнал послал в командировку на Кубу, чтобы сделать репортаж о испанско- американской войне.





Его первая военная иллюстрация была для репортажа, написанного известным военным корреспондентом Ричардом Дэвисом в сентябре 1898. Художник изображает события в Эль Посо – борьбу за взятие блокпоста Сан Хуан 1 июля. Патриотизм, который он показал в испанско-американской войне, был выражен в создании эмблем для военных. Среди самых популярных – Красный Крест и Морские картины.











Говард Чандлер Кристи Las Guasimas 1898 г.











Говард Чандлер Кристи Gee I Wish I Were a Man 1918 г.


Говард Чандлер Кристи Go over with U.S. Marines 1918 г.











Говард Чандлер Кристи Без названия











Модель Кристи Ненси Палмер 1917 г.











Говард Чандлер Кристи Красный Крест 1940е





Журнал «Scribners» регулярно печатал рисунки Кристи до 1905. В январе 1900 рисунки Кристи появились в журнале "The Ladies Home Journal».


Начало 1900-х было периодом интенсивного успеха, его работы появились в большом количестве книг и во всех главных журналах, кроме уже названных, в Harpers, Century, McClures.











Обложки журналов











Календари 1908 и 1911 годов











Говард Чандлер Кристи "Cosmopolitan" 1917 г.











Говард Чандлер Кристи Lucky Strike 1932 г.











Говард Чандлер Кристи Уроки любви 1921 г.





В 1904 году вышла серия графических картин под названием "Музыка и жизнь", которая имела большой успех.





СЕРИЯ "МУЗЫКА И ЖИЗНЬ" 1904 г.











Говард Чандлер Кристи Музыка и жизнь 1904 г.











Говард Чандлер Кристи Прослушивание 1904 г.











Говард Чандлер Кристи Реальная встреча 1904 г.











Говард Чандлер Кристи Мечты о будущем 1904 г.











Говард Чандлер Кристи Юное чудо 1904 г.





Между 1905 и началом первой мировой войны, Кристи был одним из самых популярных художников Америки. Его "Christy Girl" появлялись в бесчисленных календарях, обложках журналов, книжных иллюстрациях и предметах коллекционирования.


Он преподавал в лучших Нью-йоркских школах: Лиге студентов отделения гуманитарных наук, Союзе Купера, Нью-йоркской Школе искусства и Школе Чейза, которая была основана его первым учителем. При этом большая часть времени была проведена в Огайо, где художник жил и построил студию.











Говард Чандлер Кристи Портрет девушки 1900 г.


Говард Чандлер Кристи Портрет девушки 1900 г.











Говард Чандлер Кристи На скачках 1902 г.


Говард Чандлер Кристи Order Now (реклама писчей бумаги)











Говард Чандлер Кристи Девушка играющая в гольф 1906 г.


Говард Чандлер Кристи На пляже 1906 г.











Говард Чандлер Кристи Избранная королева 1906 г.











Говард Чандлер Кристи Из серии Сентиментальные песни 1910 г.





С 1921 до самой смерти Кристи жил в Нью-Йорке и имел свою студию в Hotel des Artistes. На первом этаже отеля было артистическое кафе (Cafe des Artistes), для которого Кристи выполнил замечательные фрески с обнаженными фигурами.











Говард Чандлер Кристи Кокетка 1920 г.











Говард Чандлер Кристи Девушка из шоу с попугаем 1935 г.


Говард Чандлер Кристи Фреска из артистического кафе











Говард Чандлер Кристи Обнаженные купальщицы 1932 г.











Говард Чандлер Кристи Одалиска 1933 г.











Дороти Кнапп позирует для Водной нимфы 1925 г.





В том же 1921 году, на самом пике славы, Кристи отошел от коммерческой иллюстрации, попытался изменить свой стиль и сконцентрировался на живописи портрета. О его популярности говорит тот факт, что Кристи рисовал портреты президентов, начиная с Франклина Рузвельта и заканчивая Джеймсом Гарфилдом, знаметиных актеров и политиков Will Rogers, Eddie Rickenbacker и Benito Mussolini.


Его самая известная портретная картина - портрет лётчицы Amelia Earhart, была закончена в 1932 и позже издана журналом "Town & Country», как обложка, 1 февраля 1933. Это было единственное исключение из решения Кристи в 1921 не делать коммерческого использования его работ. Показанная на персональной выставке Кристи "Портреты знаменитостей" в Балтиморском Музее искусств в январе 1936, эта картина была украдена из экспозиции и найдена только в конце 1990х.











Говард Чандлер Кристи Автопортрет 1921 г.











Говард Чандлер Кристи Серия "Хорошая хозяйка" 1912-13 г.г.











Говард Чандлер Кристи Шесть красавиц в плавании 1914 г.











Говард Чандлер Кристи Празднование 4 июля на природе 1916 г.





Депрессия 1930-х помешала вести Кристи жизнь "bon vivant», однако и в эти годы художник работал постоянно - или на заказ, или для себя.


Его фрески украшают здание законодательного органа штата Огайо, а его самая известная картина - огромная «Сцена подписания Конституции Соединенных Штатов», которая висит в национальном Капитолии.











Говард Чандлер Кристи Сцена подписания Конституции Соединенных Штатов 1939 г.





В 1952 Кристи умер.


В 1980 его имя было внесено в Зал славы Общества иллюстраторов.





А теперь еще несколько картин Кристи.











Говард Чандлер Кристи Футбольная программки 1938 г.











Говард Чандлер Кристи Футбольная программка 1936 г.











Говард Чандлер Кристи Мотор 1923 г.











Говард Чандлер Кристи На теплоходе


Говард Чандлер Кристи Лучший мужчина











Говард Чандлер Кристи Свидание


Говард Чандлер Кристи Прощание



Сайт художника






@темы: ар нуво, ЖИВОПИСЬ, ГРАФИКА, Красавица, christy girl, howard chandler christy, говард чандлер кристи, графика, art nouveau, живопись, художник, модерн, Цитаты

Цитата поста sarmata

 

Интересный памятник московского модерна - "Дом с рысью" (Большой Палашевский переулок, дом 10 - 1902 год, архитектор Г. Н. Иванов). Здание покрыто лепным растительным узором и украшено маскаронами, над окнами второго этажа - скульптуры изогнувшейся рыси. 




 

Лисы и виноград
 

"Рыси". (Я думаю, это все-таки коты, выгнувшие спину, в угрожающей позе. У рыси хвост должен быть короче. Недалеко отсюда Патриаршие пруды и дом, где была "нехорошая квартира". Возможно, образ кота Бегемота возник у Михаила Булгакова под впечатлением от этих котов).
 
 

А во лбу звезда горит.
 

Лисы и виноград, подсолнухи и демоническая женщина.
 

 





@темы: большой палашевский переулок, Россия, рысь, модерн, архитектура, москва